經過幾個世紀的傳統，抽象藝術家試圖創作不遵守自然主義和透視等傳統“規則”的繪畫。這種激進的風格產生了強烈的抒情畫，強調色彩、構圖和情感。
例如，荷蘭畫家 Piet Mondrian 創作的《Composition with Red, Blue, Yellow》，雄辯地概括了他利用直線和原色的美學哲學。同樣，卡齊米爾·馬列維奇 (Kazimir Malevich) 的黑色方塊因其簡潔的純粹性而成為經常被引用的抽像作品。其他開拓者如 Hilma af Klint 和 Wassily Kandinsky 創作的畫布也通過證明有無數方法可以抽像地捕捉人類經驗而留下了他們的印記。
我們將探索10 幅著名的抽象畫，並揭開使它們如此重要的原因。
HILMA AF KLINT，第 7 號，成年期，1907 年
Hilma af Klint，“No.7, Adulthood”，1907 年（照片：維基共享資源，公共領域）
儘管她不像她那個時代的許多男性藝術家那樣出名，但瑞典藝術家Hilma af Klint是一位先驅抽象藝術家，她的激進繪畫早於她的許多同時代男性。她要求她的大量作品——其中大部分在她有生之年從未展出過——直到她去世 20 年後才被公開。No. 7, Adulthood是 Af Klint 的十大系列的一部分。該系列代表了人生的各個階段，包括童年、青年、成熟和老年。它們結合了植物元素和可識別的有機物，這些物體與出生和成長有關。這幅巨大的畫布，高 3 米，寬 2 米，畫在紙上，在工作室的地板上，然後粘貼在畫布上。
Af Klint 通過在淡紫色背景下繪製不同大小和顏色的各種自由流動的形狀來詮釋盛開的成年。中央的黃色符號類似於一朵花，而螺旋和生物形態是生長和生育能力的象徵。
瓦西里·康定斯基，《作曲 VII》，1913 年
俄羅斯藝術理論家和畫家瓦西里·康定斯基使用色彩和抽象形式來傳達不同的人類體驗。他的許多作品都受到音樂的啟發，他相信可以在他的筆觸中找到聲音。
作曲 VII是在藝術家住在德國慕尼黑時創作的。雖然構圖乍一看可能看起來很混亂，但康定斯基花了幾個月的時間來設計它，在完成最終作品之前用油畫和水彩創作了 30 多幅草圖。這幅畫的主題是戰鬥和救贖。一些符號，包括野豬、山脈和人物，可以在顏色和符號的迷宮中找到。
卡齊米爾·馬列維奇，黑色方塊，1915 年
Kazimir Malevich，“黑色方塊”，1915 年（照片：Tretyakov Gallery via Wikimedia Commons，公共領域）
俄羅斯藝術家卡齊米爾·馬列維奇 (Kazimir Malevich) 以多種風格磨練了他的繪畫技巧，但最終以其依賴幾何形狀的至上主義抽象藝術而聞名。黑色方塊是他最具標誌性的畫作，他復制了四次，變化略有不同。
1915 年的版本是這些作品中的第一幅，被藝術史學家和評論家視為現代藝術的關鍵作品，通常被稱為“繪畫的零點”。馬列維奇本人對這部作品說：“[黑色方塊旨在喚起]在解放的虛無的白色空虛中的純粹客觀體驗。”
保羅·克利，推特機器，1922
Kurt Schwitters，“Das Undbild”，1919（照片：MoMA via Wikimedia Commons，公共領域）
出生於瑞士的德國藝術家保羅·克利與他同時代的瓦西里·康定斯基有很多共同之處。兩位藝術家都是德國表現主義團體Der Blaue Reiter 的成員，都深受音樂與繪畫之間的聯繫影響。Twittering Machine是克利最著名的聲音描述。它描繪了一群鳥在帶有啟動機構的電線上。克利用水彩、墨水和油畫製作了這張混合媒體插圖。
PIET MONDRIAN，紅、藍、黃的組合，1930
Piet Mondrian，“紅色、藍色和黃色的構圖”，1930 年（照片：Kunsthaus Zürich，來自Wikimedia Commons，公共領域）
在以寫實風格繪畫多年後，荷蘭藝術家Piet Mondrian加入了抽象藝術運動，並迅速成為開創性人物。他成立了自己的哲學上的抽象稱為neoplasticism（也稱為風格派），將其描述為以下：“這種新的塑料想法會忽略外觀的細節……相反，它應該找到它在形式上的抽象表達，顏色，也就是說，在直線和明確定義的原色中。” 紅色、藍色和黃色的組合是這些想法的一個著名例子。
瓦西里·康定斯基，作曲 X，1939 年
瓦西里·康定斯基，“X 作曲”，1939 年（照片：Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen，來自Wikimedia Commons，公共領域）
在他的系列的最後組合，組成X是表達的康定斯基探索通過抽象的形式的頂峰。有機形狀受到超現實主義生物形態人物的影響，而顏色表達了康定斯基在他生命的盡頭所經歷的內心情感。背景的黑色代表宇宙和生命的終結，同時讓彩色部分脫穎而出。這幅畫描繪了生活的循環和世界上每個人所經歷的情緒起伏。
保羅·克利，《死亡與火》，1940 年
Paul Klee，“Death and Fire”，1940（照片：Zentrum Paul Klee，來自Wikimedia Commons，公共領域）
克利於 1940 年創作了《死亡與火》，就在他同年 6 月去世前幾個月。他患有一種稱為硬皮病的疾病，導致關節疼痛和手上出現皮疹。這就解釋了為什麼他在這一時期的作品變得越來越簡單，而《死亡與火》就是一個關鍵的例子。
克利過去受原始藝術的影響，但這幅畫特別簡單，評論家甚至將其比作洞穴壁畫的風格。作為死亡的例證，這件黃麻上的油描繪了一個中央人類頭骨狀圖案，上面寫著“tod”（德語中的“死亡”一詞）。在人物舉起的手臂的“T”形、手中的金色球體（O）和它的臉的D形中，可以再次找到“Tod”。
馬克·羅斯科，《玫瑰上的黃色、粉紅色和薰衣草》，1950 年
Mark Rothko這個名字立刻讓人想起大面積平面彩色畫布。這位俄裔美國抽象藝術家專門從事色域繪畫，它描述了使用大面積平面顏色的藝術。Rothko 嘗試了一系列顏色組合來傳達不同的人類體驗和情感。Yellow, Pink, Lavender on Rose是他 1950 年代早期的作品之一。溫暖的色彩並置喚起了歡樂的感覺。
巴尼特·紐曼，VIR HEROICUS SUBLIMIS，1951
另一位色彩領域的先驅，美國藝術家巴尼特紐曼認為，“畫家是空間的編舞者。” 他發明了他所謂的“拉鍊”，這是一條垂直顏色的帶子，使他的作品與其他抽象表現主義者區別開來。
他的畫作Vir heroicus sublimis（“男人，英雄和崇高”）是一部 95 x 213 英寸的史詩，是他當時最大的畫作。它的特點是大片的鮮紅色被偶爾的垂直“拉鍊”線打破。憑藉其壓倒性的規模，紐曼試圖喚起觀眾的強烈反應，並將他們——以及他們的個人空間——完全包裹在充滿活力的色調中。
海倫·弗蘭肯塔勒，《山與海》，1952 年
美國藝術家海倫·弗蘭肯塔勒( Helen Frankenthaler)開發了自己的突破性技術，用大範圍的色彩填充畫布。她發明了“浸漬”工藝，其中包括將鬆節油稀釋的油漆倒在畫布上。這種技術產生了充滿活力、朦朧的構圖，為畫布的紋理帶來了全新的外觀和感覺。《山與海》（1952 年）是 Frankenthaler 使用這種方法的第一幅作品，當其他色域藝術家 Morris Louis 和 Kenneth Noland 看到這幅作品時，他們也立即接受了這種方法。
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